Сырой FAQ:

1. Почему тред фортепианный, а не клавишных?
Так сложилось, что в "клавишных" тредах обсуждают в основном фортепианную музыку.

2. В чем отличие "клавиш" от фортепиано?
Форте - громко, пиано - тихо. Слово фортепиано объединяет обширный класс клавишных инструментов, которые могут звучать тише или громче в зависимости от силы и скорости взятия нот. Клавишные же инструменты - очень широкое понятия, куда относятся и современные синтезаторы, и органы, и всякие древние клавесины, клавикорды и пр.

3. В чем разница между midi-клавиатурой, синтезатором, цифровым пианино, обычным фортепиано и роялем?

По порядку:
- midi-клавиатура - это изначально устройство для удобного ввода нот в компьютер. У миди нет ни процессора, ни колонок, т.е. без компьютера она звучать не может. Музыкальным инструментом миди-клавиатура изначально не является. Однако, конечно, подключив клавиатуру к компу, на ней можно будет играть как на синтезаторе.
- синтезатор - это современный музыкальный инструмент, который обычно имеет уменьшенную клавиатуру (всего 4-5 октав), но зато имеет множество встроенных тембров, т.е. способен имитировать кучу разных инструментов. Используется в основном для исполнения современной и популярной музыки. К недостаткам можно отнести не чувствительную к силе нажатия клавиатуру и посредственное качество звучания большей части тембров по сравнению с их аналоговыми инструментами.
- цифровое пианино - это имитация акустического инструмента. Имеет максимально приближенную к реальной клавиатуру и всего 2-3 рояльных тембра, но зато с большим количеством слоев семплирования - т.е. каждая клавиша реального инструмента записывается отдельно на разных уровнях громкости. Основной недостаток - степень приближения к акустическому инструменту прямо пропорциональна цене, при том что даже самая дорогая цифра всё равно уступает акустике.
- фортепиано или пианино - сейчас в России так называют класс акустических инструментов для домашнего музицирования с вертикальным расположением струн, что дает относительно компактный размер (по сравнению с роялем).
- рояль - классический концертный клавишно-струнный инструмент. Основные отличия от пианино: более мощный звук и механизм двойной репетиции - возможность взять ноту повторно не дожидаясь полного возвращения клавиши в начальное положение (для быстрой виртуозной игры).

4. Какой же инструмент выбрать для обучения с нуля?
Для классической или джазовой музыки нужно пианино. Для игры в поп/рок группе хватит и синтезатора. Следует иметь в виду, что синтезаторы не чувствительны к силе нажатия, тогда как акустические пианино (а в особенности - рояли) имеют очень "тугую" клавиатуру. Научившись хорошо играть на синтезаторе, вы не сможете хорошо играть на пианино, в то же время любой классический или джазовый пианист свободно сможет сыграть на синтезаторе. Таким образом если вы не можете позволить себе рояль или даже пианино - покупайте цифровое пианино (кстати, его тоже можно подключить к компу и использовать как миди-клавиатуру/синтезатор). Обращайте особое внимание на клавиатуру - она должна быть полноразмерная (88 клавиш), взвешенная (чувствительная к силе нажатия) и в идеале иметь хорошую механику (молоточковую, т.е. имитирующую настоящую рояльную клавиатуру) - у каждого именитого производителя (yamaha, kawai, korg, а с недавних пор и у casio тоже) есть набор своих уникальных технологии. Если же вы решили купить акустический инструмент (неважно новый или подержанный) - первым делом найдите опытного настройщика и попросите его о помощи в выборе, т.к. самостоятельно оценить качество нового и состояние подержанного инструмента вы не сможете. Имейте в виду, что цены на приличные как пианино, так и цифровые пианино начинаются с весьма кругленьких сумм: новая цифра от 35-40к, новая акустика от 150-200к! Впрочем, всегда есть шанс найти "бесплатно" подержанное пианино в хорошем состоянии, правда шанс этот не высок, а настройщик ездить смотреть разные инструменты с вами за бесплатно не станет. Учитывайте, что вес акустического пианино обычно в районе 250-350 кг. транспортировка "бесплатного" тоже стоит денег.

5. Как научиться играть?
Есть три пути:
- самостоятельно Вариант хорош тем, что бесплатен, больше ничем не хорош. Особенно же он плох потому что научившись сидеть и держать руки неправильно, вы позже будете вынуждены долго переучиваться, т.к. не сможете играть более быстрые и сложные произведения. Видеоуроки из прошлой шапки: http://www.youtube.com/user/Lypur или http://www.youtube.com/user/pianoologist
- с репетитором Вариант плох тем, что достаточно дорогостоящий и хорош всем остальным. Хотя бы несколько уроков у опытного педагога в самом начале спасут вас от множества ошибок в постановке рук и дадут хороший фундамент для дальнейших самостоятельных занятий.
- в музыкальной школе для взрослых Большая часть коммерческих школ для взрослых дают лишь поверхностные знания, а квалификация тамошних педагогов вызывает сильные сомнения. Обучиться именно в классической манере у проверенных педагогов можно, например, в школе им. Прокофьева в ДС. Как бы то ни было это тоже будет стоить денег, но меньших, чем занятия с репетитором. Правда, в ту же школу Прокофьева еще нужно конкурсное собеседование выдержать...

6. А что вообще тут такого сложного то? Нажимай клавиши вовремя, вот и вся наука!
В музыке есть, например, такое понятие как агогика - небольшие изменения темпа изначально не заложенные в нотах, но допустимые при исполнении. В фортепианной игре есть понятие туше - качественная характеристика того, как вы берете ноты. Существует также понятие интерпретации - то, как исполнитель понимает и трактует произведение. Проще говоря, одна и та же музыка может как создавать разные настроения, так и быть безликой при плохом исполнении. Работать над своей музыкальностью и звучанием надо так же тщательно, как над техникой и начинать нужно с первых же дней.

7. Нужно ли мне учить ноты?
Формально, можно играть и без нот - подбирать на слух или разучивать произведения пальцами. Но это путь в никуда. У вас не абсолютный слух, а вдолбив музыку в пальцы вы будете способны исполнять только ее и только покуда пальцы ее помнят, а забывают они быстро. Рано или поздно учить ноты придется. Для игры с листа вам помимо знания нот также потребуются еще и азы музыкальной теории: ритм, метр, размер, тональность, фразировка...

8. У меня нет слуха и мне 40 лет, стоит ли начинать?
Платиновый вопрос универсального характера. Слух - это способность отличать звуки разной высоты друг от друга, он есть у всех здоровых людей и такого слуха вполне достаточно для обучения музыке. Ну а возраст вообще никак ни на что не влияет, разве что вы настолько стары, что пальцы от артрита болят. Полезные ссылки из прошлой шапки:
http://www.gopcoder.com/about-me.html или http://zapil.ucoz.ru/load/2-1-0-91
EarMaster Pro 6 http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=4434024 или его аналог http://www.solfege.org/

9. Дайте мне ноты и упражнения!
Из шапки прошлого треда (раздел подлежит обсуждению):

Начинать игру на клавишных инструментах стоит с ознакомления со Школой Николаева/Баренбойма/Артоболевской/Бланше/свой выбор

За нотами идём сюда:
http://imslp.org/
http://notes.tarakanov.net/
http://ru.scorser.com/

Произведения, рекомендуемые начинающим.
Этюды и упражнения
Соответствующие разделы школы Николаева.
Черни по степени сложности:
ред. Гермера - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=1962170
ор. 299 - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=2180524
Шарль Ганон "Пианист-виртуоз" - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=3357970 Ввиду невыскоких художественных качеств рекомендуется только любителям-мазохистам. Вас предупредили.
Полифония
Нотная тетрадь Вильгельма Фридемана.
Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=3485639
Двух- и трехголосные инвенции Баха (рекомендуется начинать с двухголосных) - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=2171060
Крупная форма (сонаты)
Бетховен, соната №14 ("Лунная") 1часть.
Пьесы
"Альбом для юношества" Шумана 1 тетрадь
"Детский альбом" Чайковского и более сложные "Времена года" - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=1406551

Словарь музыкальных терминов - http://www.olofmp3.ru/index.php/Muzykalynye-terminy/
Орнаментика (преимущественно в музыке барокко) - http://barocpraxis.arts.spbu.ru/Ornamentika/tables.php

Все, что вы хотели знать о прелюдиях Шопена

Прелюдии относятся к наиболее характерным для творчества Шопена произведениям – и не только оттого, что они являются квинтэссенцией его стиля, но и потому, что тесно связаны с событиями в личной жизни композитора.

До 1838 года карьера Фредерика развивалась прекрасно: музыканту не было и тридцати, когда он стал одним из любимых композиторов и пианистов Парижа – тогдашней культурной столицы мира. К Шопену выстраивалась очередь богатых студентов, готовых заплатить любые деньги за уроки игры на фортепьяно. Мир лежал у его ног. Именно тогда композитор решил вместе со своей партнершей Жорж Санд уехать на Майорку. Поездка, которая задумывалась как романтическое путешествие, вскоре превратилась в галоп пиковых эмоций.

На Майорке Шопен пережил первый серьезный приступ туберкулеза, диагностированного тамошним врачом. Местные жители, испугавшись заражения, отказались селить Шопена, Санд и ее детей в пределах города. После нескольких дней скитаний они нашли приют в необитаемом монастыре в Вальдемосе, вдали от бурлящей жизнью столицы. К тому же фортепиано Шопена застряло на таможне и ему пришлось брать инструмент напрокат – композитор называл его «проклятым заменителем».

Зима на Майорке переменчива: мягкая погода, когда температура достигает 15 °C, быстро сменяется холодной, с проливными дождями и порывистым ветром. Больной, патологически впечатлительный композитор постоянно переживал резкие смены эмоциональных состояний. То он был до экстаза восхищен «чудесными цветами удивительнейших мест, которых еще не видели глаза человека», где «все дышит поэзией» (так композитор писал в письме своему парижскому другу Камилю Плейелю), то жаловался, что «живет в странном месте, между морем и скалами», упоминал о страхе смерти, об утраченных надеждах. Постоянные перепады настроения нашли отражение в прелюдиях, которые необыкновенно разнообразны по своей фактуре и настроению.

Почему их 24?

В европейской теории музыки принята система 24 тональностей - 12 мажорных и 12 минорных. Такое деление произвел Иоганн Себастьян Бах в своем цикле «Хорошо темперированный клавир», состоящем из 24 фуг, где каждая выдержана в собственной тональности. Баховский равномерно темперированный строй является основой европейской тональности.

В те годы, когда Шопен писал свои 24 прелюдий (он начал работать над ними в 1831-1837 гг., а закончил весь цикл во время пребывания на Майорке) композитор был страстно увлечен творчеством Баха, в частности, его «Хорошо темперированным клавиром».

Почему прелюдии считаются циклом, а не отдельными произведениями?

Неизвестно, хотел ли Шопен, чтобы его 24 прелюдии исполнялись как цикл, но они представляют собой единое целое. Эти сочинения написаны во всех 24 тональностях и оттого выражают идею целостности и бесконечности, что ассоциируется с циклом фуг Баха.

Какова продолжительность прелюдий? Какова продолжительность всего цикла?

Прелюдии короткие. Почти половина из них длится менее минуты, остальные немногим длиннее. Весь цикл длится около 45 минут в зависимости от интерпретации исполнителя.

Озаглавил ли Шопен название каждую прелюдию?

Нет, это сделала Жорж Санд, однако ноты конкретных произведений с написанными ею от руки названиями исчезли. Те, что нам известны, либо основываются на воспоминаниях Соланж (дочери Жорж Санд, которая вместе с матерью и Шопеном была на Майорке), либо были названы гораздо позднее исследователями творчества Шопена. Выдающийся шопенолог Мечислав Томашевский считает, что Шопену не хотелось давать прелюдиям названия, поскольку случалось, что эти названия были слишком дословные или могли ввести слушателей в заблуждение относительно того, что вдохновляло композитора на их написание.

>>273942

Деление на 24 прелюдии

Основной отличительной чертой цикла является контрастность составляющих его произведений. Прелюдии разнообразны по своей экспрессии (от экстаза до отчаяния), динамике (от тихих до очень громких), темпу (от медленных до быстрых), ритму (от монотонных до динамичных) и колориту (от теплого до бурного). Исследователи делят их на восемь групп:

1. Идиллические - №1, №7, №11, №23
Идиллические прелюдии объединяет схожий, спокойный характер. Они скомпонованы в мажорных тональностях, имеют умеренный темп и мягкую динамику – простое пианино. Каждая из них монотематична, то есть они основаны на одной мелодии, которая задает музыкальный тон всей композиции. Еще одной характерной чертой этих прелюдий является частая повторяемость мотивов (самых коротких музыкальных фрагментов).
Отличным примером является прелюдия B-dur: открывающий ее мотив появляется в такте 1-4, а затем повторяется и трансформируется в течение всей композиции.

2. Элегические – №2, №4, №6
Прелюдии из элегической группы драматичны, у них исключительно медленный темп, они почти всегда заканчиваются smorzando (замиранием в сочетании с замедлением) или slentando (постепенным замедлением темпа). Они состоят главным образом из мягких мелодий, основывающихся на постоянно повторяющихся мотивах или фразах в равных ритмических интервалах (ostinato).
Прелюдия e-moll №4 является самым известным произведением из всей группы. Как вспоминает Соланж, ее мать назвала это сочинение Quelles larmes au fond du cloître humide? («Не слезы ли это, вылившиеся из глубины сырого монастыря?»). Эта прелюдия вошла в канон поп-культуры после того, как Серж Гинзбург и Джейн Биркин использовали ее в своей песне Jane B., а Антонио Карлос Жобим – в композиции Insensatez. Она же вдохновляла группу Radiohead во время ее работы над музыкой к фильму База Лурманна «Ромео и Джульетта».
http://www.youtube.com/watch?v=l1OWaAJdNt0 Даниил Трифонов исполняет прелюдию № 4 e-moll во время записи диска Карнеги Речитал.

3. Этюдные № 3, № 5, № 19
Эти произведения наиболее динамичны: у них ускоренный темп, сложные переходы, в них содержался весь калейдоскоп звуков и элементы народной музыки… Пианисты считают эти сочинения особо трудными для исполнения.

4. Кантабильные (напевные) № 17, № 21
Кантабильный по-итальянски значит «напевный»? и это верное определение для обеих прелюдий. Они очень спокойны и довольно длинны по сравнению с прочими произведениями цикла. Мендельсон так писал о Прелюдии № 17:
«Я это обожаю! Я не в состоянии сказать, как долго и почему, может быть оттого, что сам бы я так не написал».

5. В форме скерцо - № 8, № 10, № 14
Скерцо – это необычайно динамичная, забавная композиция, которая может входить в состав более крупной формы. По-итальянски означает «шутку». Прелюдии в форме скерцо выдержаны в быстром темпе, объединяя сильную экспрессию с экзальтацией.
Прелюдия № 8 считается самой трудной для исполнения из-за абсурдно быстрого темпа, тридцатисекундной фигуративной формы в правой руке, а также постоянное наложение двух противоположных ритмов на протяжении одного временного отрезка – полиритмии.

6. Маршево-гимнографическая - № 9, № 20
Эти прелюдии наиболее торжественные и возвышенные. Они выдержаны в низком регистре, ритмически они связаны с Траурным маршем Шопена. Самая короткая – Прелюдия № 9, состоящая всего из 12 тактов. Сильно контрастированная и динамичная Прелюдия № 20 узнаваема благодаря характерным маршевым аккордам в самом начале произведения.

7. В форме баллады – № 12, № 16, № 18, № 22
Очень динамичные, взрывные композиции, от которых дыхание замирает в груди. Каждый раз, когда они звучат в цикле, эти прелюдии потрясают и волнуют слушателя. Считается, что в их настроении отражена борьба Шопена со смертельной болезнью.

8. В форме ноктюрнов - № 13, № 15
Ноктюрн – это музыкальная композиция, создающая ночную атмосферу. Ноктюрновые прелюдии Шопена схожи с кантабильными, хотя они длиннее, более развернуты и спокойнее. Одна из самых знаменитых, Прелюдия № 15 – самая длинная из 24 Прелюдий. Она широко известна как Дождливая – хотя сам Шопен не любил этого названия. Жорж Санд написала в своих воспоминаниях:
«Он был в бешенстве оттого, что я использую звукоподражательные ассоциации для интерпретации произведения. Он протестовал изо всех сил – и он был прав – против этих ребяческих представлений о подражании. Его гений был полон звуков природы, перенесенных в сферу тончайшего музыкального восприятия, а не переданных с помощью рабской имитации внешних звуков».

Последняя Прелюдия № 24
Прелюдия № 24 – это решительный жест, завершающий весь цикл. Его взрывной, бурный характер и торжественную атмосферу можно интерпретировать двояко. Некоторые исследователи считают, что она была написана в 1831 г., сразу после того, как царская армия заняла Варшаву после поражения польского восстания. Другие же ассоциируют это сочинение с «Реквиемом» Моцарта, также написанном в тональности d-moll – с его аурой уходящего времени, и считают эту Прелюдию проявлением бунта Шопена против надвигающейся смерти.

ПРОИЗВЕДЕНИЯ, КОТОРЫЕ ДОЛЖЕН ЗНАТЬ КАЖДЫЙ
Здесь мы будем выкладывать шедевры классической музыки и краткую информацию о них. Вам же нужно всего лишь периодически слушать в целях музобразования. Спасибо за понимание и участие.

Бетховен. Симфония No. 5 (до-минор), Op. 67

Год создания
1808
Дата премьеры
22.12.1808
Состав оркестра: 2 флейты, флейта-пикколо, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота, контрафагот, 2 валторны, 2 трубы, 3 тромбона, литавры, струнные.

История создания
Пятая симфония, которая поражает лаконизмом изложения, сжатостью форм, устремленностью развития, кажется рожденной в едином творческом порыве. Однако создавалась она дольше остальных. Бетховен работал над ней на протяжении трех лет, успев закончить в эти годы две симфонии совершенно иного характера: в 1806 году была написана лирическая Четвертая, в следующем начата и одновременно с Пятой завершена Пасторальная, позднее получившая № 6.
Это было время наивысшего расцвета таланта композитора. Одно за другим появляются самые типичные для него, самые прославленные сочинения, нередко проникнутые энергией, горделивым духом самоутверждения, героической борьбой: скрипичная соната опус 47, известная как Крейцерова, фортепианные опус 53 и 57 («Аврора» и «Аппассионата» — названия даны не автором), опера «Фиделио», оратория «Христос на горе Елеонской», три квартета опус 59, посвященные русскому меценату графу А. К. Разумовскому, фортепианный (Четвертый), Скрипичный и Тройной (для фортепиано, скрипки и виолончели) концерты, увертюра «Кориолан», 32 вариации для фортепиано до минор, месса до мажор и др. Композитор смирился с неизлечимым недугом, страшнее которого не может быть для музыканта, — глухотой, хотя, узнав о приговоре врачей, едва не покончил с собой: «Только добродетели и искусству я обязан тем, что не покончил жизнь самоубийством». В 31 год он написал другу горделивые слова, ставшие его девизом: «Я хочу схватить судьбу за глотку. Ей не удастся окончательно сломить меня. О, как прекрасно прожить тысячу жизней!»
Пятая симфония посвящена известным меценатам — князю Ф. И. Лобковицу и графу А. К. Разумовскому, русскому посланнику в Вене, и впервые прозвучала в авторском концерте, так называемой «академии», в Венском театре 22 декабря 1808 года вместе с Пасторальной. Нумерация симфоний была тогда иной: открывшая «академию» симфония под названием «Воспоминание о сельской жизни», фа мажор, имела № 5, а «Большая симфония в до миноре» — № 6. Концерт оказался неудачным. Во время репетиции композитор повздорил с предоставленным ему оркестром — сборным, невысокого уровня, и по требованию музыкантов, отказавшихся с ним работать, вынужден был удалиться в соседнюю комнату, откуда и слушал, как его музыку разучивает дирижер И. Зейфрид. Во время концерта в зале царил холод, публика сидела в шубах и равнодушно восприняла новые симфонии Бетховена.
Впоследствии Пятая стала самой популярной в его наследии. В ней сконцентрированы наиболее типичные черты бетховенского стиля, наиболее ярко и сжато воплощена основная идея его творчества, которую обычно формулируют так: через борьбу к победе. Короткие рельефные темы сразу и навсегда врезаются в память. Одна из них, несколько видоизменяясь, проходит через все части (такой прием, заимствованный у Бетховена, следующее поколение композиторов будет использовать часто). Об этой сквозной теме, своего рода лейтмотиве кз четырех нот с характерным стучащим ритмом, по свидетельству одного из биографов композитора, он говорил: «Так судьба стучится в дверь».

Музыка

Первую часть открывает дважды повторенная фортиссимо тема судьбы. Главная партия сразу же активно развивается, устремляясь к вершине. Тот же мотив судьбы начинает побочную партию и постоянно напоминает о себе в басах струнной группы. Контрастная по отношению к нему мелодия побочной, певучая и нежная, завершается, однако, звонкой кульминацией: весь оркестр в грозных унисонах повторяет мотив судьбы. Возникает зримая картина упорной, бескомпромиссной борьбы, которая переполняет разработку и продолжается в репризе. Как это свойственно Бетховену, реприза не является точным повторением экспозиции. Перед появлением побочной партии возникает внезапная остановка, солирующий гобой декламирует ритмически свободную фразу. Но развитие не заканчивается и в репризе: в коде продолжается борьба, при чем исход ее неясен — первая часть не дает вывода, оставляя слушателя в напряженном ожидании продолжения.

Медленная вторая часть задумывалась композитором как менуэт. В окончательном варианте первая тема напоминает песню, светлую, строгую и сдержанную, а вторая тема — поначалу вариант первой — приобретает у медных и гобоя фортиссимо в сопровождении ударов литавр героические черты. Не случайно в процессе ее варьирования затаенно и тревожно, как напоминание, звучит мотив судьбы. Любимая Бетховеном форма двойных вариаций выдержана в строго классических принципах: обе темы излагаются все более мелкими длительностями, обрастают новыми мелодическими линиями, полифоническими имитациями, но всегда сохраняют ясный, светлый характер, становясь к концу части еще более величавыми и торжественными.

Тревожное настроение возвращается в третьей части. Это совершенно необычно трактуемое скерцо — вовсе не шутка. Продолжаются столкновения, борьба, начавшаяся в сонатном аллегро первой части. Первая тема представляет собой диалог — затаенному вопросу, звучащему еле слышно в глухих басах струнной группы, отвечает задумчивая, печальная мелодия скрипок и альтов, поддержанных духовыми. После ферматы валторны, а за ними весь оркестр фортиссимо утверждают мотив судьбы: в таком грозном, неумолимом варианте он до сих пор еще не встречался. Второй раз диалогическая тема звучит неуверенно, дробясь на отдельные мотивы, не получая завершения, отчего тема судьбы, по контрасту, предстает еще более грозной. При третьем появлении диалогической темы завязывается упорная борьба: с задумчивым, певучим ответом полифонически соединяется мотив судьбы, слышатся трепетные, молящие интонации, и кульминация утверждает победу судьбы. Картина резко меняется в трио — энергичном фугато с подвижной мажорной темой моторного, гаммообразного характера. Совершенно необычна реприза скерцо. Впервые Бетховен отказывается от полного повторения первого раздела, как это всегда было в классической симфонии, насыщая сжатую репризу интенсивным развитием. Оно происходит словно вдали: единственное указание силы звучности — варианты пиано. Обе темы значительно изменены. Первая звучит еще более затаенно (струнные пиццикато), тема судьбы, утрачивая грозный характер, возникает в перекличках кларнета (затем гобоя) и пиццикато скрипок, прерывается паузами, и даже тембр валторны не придает ей прежней силы. В последний раз ее отголоски слышны в перекличках фаготов и скрипок; наконец, остается только монотонный ритм у литавры пианиссимо. И тут наступает удивительный переход к финалу. Словно брезжит робкий луч надежды, начинаются неуверенные поиски выхода, переданные тональной неустойчивостью, модулирующими оборотами...

Ослепительным светом заливает все вокруг начинающийся без перерыва финал. Торжество победы воплощено в аккордах героического марша, усиливая блеск и мощь которого композитор впервые вводит в симфонический оркестр тромбоны, контрафагот и флейту-пикколо. Живо и непосредственно отражена здесь музыка эпохи Французской революции — марши, шествия, массовые празднества победившего народа. Рассказывают, что наполеоновские гренадеры, посетившие концерт в Вене, при первых звуках финала вскочили с мест и отдали честь. Массовость подчеркнута простотой тем, преимущественно у полного оркестра, — броских, энергичных, не детализированных. Их объединяет ликующий характер, который не нарушается и в разработке, пока в нее не вторгается мотив судьбы. Он звучит как напоминание о прошлой борьбе и, может быть, как предвестие будущего: предстоят еще и схватки и жертвы. Но теперь в теме судьбы нет прежней грозной силы. Ликующая реприза утверждает победу народа. Продлевая сцены массового торжества, Бетховен завершает сонатное аллегро финала большой кодой.

http://www.youtube.com/watch?v=zM3y09RjKLs
http://www.youtube.com/watch?v=TuXK7EJaC1w
http://www.youtube.com/watch?v=gYQ0Zaelmt0
http://www.youtube.com/watch?v=kHYBoG7hiZk